世界十大名畫之一：日出印象的作品賞析

　　《日出·印象》，是法國印象派畫家莫奈於1872年在勒阿弗爾港口畫的一幅寫生畫。其誕生時間已經被確定到一個精確的時候，由此可見印象主義繪畫在世界美術史上的重要地位。下面，就讓我們一起到世界十大名畫中瞭解其作品賞析吧。

　　《日出·印象》描繪的是在晨霧籠罩中日出時港口景象。在由淡紫、微紅、藍灰和橙黃等色組成的色調中，一輪生機勃勃的紅日拖著海水中一縷橙黃色的波光，冉冉升起。海水、天空、景物在輕鬆的筆調中，交錯滲透，渾然一體。

　　近海中的三隻小船，在薄霧中漸漸變得模糊不清，遠處的建築、港口、吊車、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦朧隱現。這一切，是畫家從一個視窗看出去畫成的。如此大膽地用“零亂”的筆觸來展示霧氣交融的景象。這對於一貫正統的沙龍學院派藝術家來說乃是藝術的叛逆。

　　該畫完全是一種瞬間的視覺感受和活潑生動的作畫情緒使然，以往官方學院派藝術推崇的那種謹慎而明確的輪廓，呆板而僵化的色調蕩然無存。這種具有叛逆性的繪畫，引起了官方的反對。

　　這幅名畫是莫奈於1872年在阿弗爾港口畫的一幅寫生畫。他在同一地點還畫了一張《日落》，在送往首屆印象派畫展時，兩幅畫都沒有標題。一名新聞記者諷刺莫奈的畫是“對美與真實的否定，只能給人一種印象”。莫奈於是就給這幅畫起了個題目——《日出·印象》。

　　它作為一幅海景寫生畫，整個畫面籠罩在稀薄的灰色調中，筆觸畫得非常隨意、零亂，展示了一種霧氣交融的景象。日出時，海上霧氣迷朦，水中反射著天空和太陽的顏色。岸上景色隱隱約約，模模糊糊看不清，給人一種瞬間的感受。

　　他對光色的專注遠遠超越物體本身的形象，使得物體在畫布上的表現消失在光色之中。他讓世人重新體悟到光與自然的結構。所以這一視野的嬗變，以往甚至難以想象，它所散發出的光線、色彩、運動和充沛的活力，取代了以往繪畫中僵死的構圖和不敢有絲毫創新的傳統主義。

　　“如果你弄個《日出·印象》的黑白版本（如圖），會發現太陽基本消失了……沒錯，太陽本身沒有光，只是憑色彩的映襯，才製造出這樣的效果！”

　　當1874年莫奈和一群青年畫家舉辦展覽時，這幅《日出·印象》遭到了誹謗和奚落。

　　有的評論家挖苦說：“毛坯的糊牆紙也比這海景完整！”更有人按這幅畫的標題，諷喻以莫奈為首的青年藝術家們為“印象派”，於是“印象主義”也就成了這個畫派的桂冠。

　　該畫1985年被搶劫，據法國被盜藝術品偵緝處1990年12月6日，在科西嘉島一座別墅中查獲。

　　《無名女郎》，世界十大名畫之一，是俄國畫家伊萬·尼古拉耶維奇·克拉姆斯柯依於1883年創作的一幅現實主義肖像畫，現收藏於莫斯科的特列恰科夫美術博物館。下面，就讓我們一起去了解關於這幅名畫的美學價值吧。

　　我們面前的這位典型的19世紀俄國知識女性，她側身端坐，轉首俯視著這個冷酷無情的世界，顯得高傲而又自尊。這種姿勢語言表明畫中人物與這個世道格格不入，冷眼審視，不屑一顧，又不願與之合流的神情，這隱含著當時一部分民主主義知識分子對社會的態度。

　　這幅女子肖像顯示的美在於性格表現，也體現畫家的美學觀。我們面前這位女子沒有華麗服飾和貴夫人的打扮，而是入時得體，是上流社會有文化、有修養、品位極高的知識女性打扮。

　　色調濃重且有變化，冷漠、深沉、俊秀的面孔鮮明突出，格外莊重、典雅而高尚。

　　美學價值：

　　頗具美學價值的性格肖像畫

　　這是一幅頗具美學價值的性格肖像畫，畫家以精湛的技藝表現出物件的精神氣質。畫中的無名女郎高傲而又自尊，她穿戴著俄國上流社會豪華的服飾，坐在華貴的敞蓬馬車上，背景是聖彼得堡著名的亞歷山大劇院。

　　究竟“無名女郎”是誰？至今仍是個謎。

　　畫家在肖像畫上創造了一種新的表現風格，即用主題性的情節來描繪肖像，展示出一個剛毅、果斷、滿懷思緒、散發著青春活力的俄國知識女性形象。

　　這幅肖像畫並不是一個具體人物的肖像，而是畫家的理想創造。

　　她坐在華貴的敞篷車上，高傲地望著觀眾，她那不凡的氣派和自尊，給人以剛毅、果斷、滿懷思緒，散發著青春活力的深刻印象。畫面以冬天的城市為背景，白雪覆蓋著屋頂，朦朧溼潤的天空，使人感到寒意。

　　女郎的毛皮手籠、鐲子、帽子上的白色羽毛、藍紫色的領結，都表現得極為精到。而最令人驚歎的是人物的精神氣質，實在被描繪得精湛絕倫。它確實無愧為一幅傑出的性格肖像畫名作。

　　這個美麗女郎的畫像。有人說是托爾斯泰小說中的安娜·卡捷琳娜，也有人說是莫斯科大劇院裡的某個女演員。但不管她是誰，其精神氣質確實很能打動觀眾。

　　《泉》，世界十大名畫之一，是著名畫家安格爾的得意之作。他在這幅畫上展示了可以得到人類普遍讚美的美的恬靜、抒情和純潔性。那麼，關於這幅名畫的創作又是怎麼樣的呢？接下來，就跟小編一起去了解一下吧。

　　安格爾一生中在裸體素描上下過精深的功夫，而且只有當他面對裸體模特兒時，他的現實主義真知灼見才特殊地顯現出來。

　　他曾說：“標準的美——這是對美的模特兒不間斷觀察的產物”，還認為：“一幅畫的表現力取決於作者的豐富的素描知識；撇開絕對的準確性，就不可能有生動的表現。掌握大概的準確，就等於失去準確。那樣，無異於在創造一種本來他們就毫無感受的虛構人物和虛偽的感情。”

　　這位古典主義繪畫的末代風流畫家，吸收文藝復興時期前輩大師的求實的技巧，使自己的素描技巧發揮到爐火純青的境地。這裡所不同的只是像馬薩卓、米開朗基羅、喬爾喬奈等大師的裸女體現的是一種充滿人性的時代理想，而安格爾在裸女上所寄予的理想，則是“永恆的美”這一抽象概念。

　　究其實，乃在於尋求以線條、形體、色調相諧和的女性美的表現力。這在他那些描寫土耳其宮女的裸女畫上尤為明顯。晚年，安格爾畫了這一幅《泉》，則進一步反映了畫家對美的一種全新觀念，那就是他深深覺得用精細的造型手段創造一種抽象的古典美典範的必要性。

　　76歲高齡的安格爾，終於在這一幅《泉》上，把他心中長期積聚的抽象出來的古典美與具體的寫實少女的美，找到了完美結合的形式。

　　他在這幅畫上展示了可以得到人類普遍讚美的美的恬靜、抒情和純潔性。有一位評論家參觀了《泉》後說：“這位少女是畫家衰年藝術的產兒，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她們各自的美於一身，形象更富生氣也更理想化了。”

　　《泉》大概在義大利佛羅倫薩時就開始醞釀了，那是在1820年的事，為什麼事隔36年後才最終完成此稿呢？這還得從他的學生保羅·巴爾澤和亞歷山大·德戈弗兩人說起。

　　最初在安格爾心中構思的“泉”，是仿效義大利大師們在畫維納斯時的願望，他早在1807年就畫過一些草圖，後來不滿足前人已畫過的“維納斯”樣式，企圖使形象更單純化。

　　有人認為這幅畫最初是由上述兩個學生協助完成的。安格爾經常在同一主題或構思中進行復制，有時花上幾年甚至幾十年工夫。

　　1857年，《泉》被迪麥泰爾伯爵收購，成為私人藏畫品。後根據這位伯爵的遺囑，他的家屬於1878年將此畫贈給國家，終於成為巴黎奧賽博物館內又一鎮館之寶。