世界十大名畫之亞威農少女的作品賞析

　　《亞威農少女》，世界十大名畫之一，由西班牙著名畫家畢加索創作，是第一張被認為有立體主義傾向的作品。畫中五個人物不同側面的部位，都凝聚在單一的一個平面中，用不同的結構組合展現了不一樣的美學特點。

　　全新角度：

　　過去的畫家都是從一個角度去看待人或事物，所畫的只是立體的一面。立體主義則是以全新的方式展現事物，他們從幾個角度去觀察，從正面不可能看到的幾個角度去觀察，把正面不可能看到的幾個側面都用並列或重疊的方式表現出來。

　　在《亞威農少女》中，五個裸女的色調以藍色背景來映襯，背景也作了任意分割，沒有遠近的感覺，人物是由幾何形體組合而成的。

　　表現手法：

　　畫家把這五個人物不同側面的部位，都凝聚在單一的一個平面中，把不同角度的人物進行了結構上的組合。

　　看上去，就好像他把五個人的身體先分解成了單純的幾何形體和靈活多變、層次分明的色塊，然後在畫布上重新進行了組合，形成了人體、空間、背景一切要表達的東西。就像把零碎的磚塊構築成一個建築物一樣。

　　女人正面的胸脯變成了側面的扭曲，正面的臉上會出現側面的鼻子，甚至一張臉上的五官全都錯了位置，呈現出拉長或延展的狀態。

　　畫面上呈現單一的平面性，沒有一點立體透視的感覺。所有的背景和和人物形象都透過色彩完成，色彩運用的誇張而怪誕，對比突出而又有節制，給人極強的視角衝擊力。

　　畢加索也借鑑和吸收了一些非洲神秘主義的藝術元素，比如畫面上兩個極端扭曲的臉，扭曲變形的部位，紅、黑、白色彩的對比，看上去猙獰可怕，充斥著神秘的恐怖主義色彩。

　　創作思路：

　　畢加索以他青年時代在巴塞羅那的“亞威農大街”所見的妓女形象為依據。這條街以妓院林立而聞名。畫上的女人形象，就是這條街上的妓女們。畫家曾多次易稿。

　　在這件作品的草圖中，曾出現一個海員和一個剛進門的醫學院學生。畢加索大膽地畫了五個姑娘和兩個男人。背景是妓院的客廳或飯廳。後來幾經修改，又作了大膽的突破。

　　畢加索曾對人說，他討厭這個題目。因為亞威農的姑娘並非是些風姿綽約的妙齡女郎，而是一些出賣愛情的妓女，她們與畫上的女人毫無干係。這幅畫的題目是詩人薩爾蒙給起的。也許詩人根據這些裸女，才把她們與亞威農妓院聯絡起來。

　　由於這一幅以裸體女人為主的大型油畫，與那個不光彩的亞威農背景相聯絡，使畢加索受到了猛烈的抨擊。在此畫的第一幅稿子上，一如前述，還有兩個男子，一個持花束，另一個從布幕後面走出來。畢加索自己說，他原想畫一個骷髏，以強調死亡。如是這樣，似乎又多了一層“勸人為善”的意義，以符合西班牙人對花街柳巷蔑視的傳統。但後來全部改變了，以立體主義方法來表現五個裸女。

　　在這幅畫上，觀者多少可感覺到畫家著意於純粹的田園風趣。五個裸體女人的色調是以藍色背景來映襯的。藍色使他想起戈索爾那美麗宜人的風光。但觀眾看到的是一群幾何形變異的女人。

　　右邊坐著的一個女人像戴上假面具一般，當她轉過身來，臉容十分可怕，就像從陰間爬出來的鬼魅，顏色卻又像烤熟了的乳豬。最左邊一個女人，正拉開赭紅色的布幕，為要展示她的姊妹們的菱形身體。她那嚴肅的表情，側面的輪廓，簡直像埃及的壁畫。中間還有一堆水果。

　　《最後的晚餐》是義大利藝術家列奧納多·達·芬奇所創作，這幅畫標誌著達·芬奇藝術成就的最高峰，也標誌著文藝復興藝術創造的成熟與偉大。作為世界十大名畫之一，《最後的晚餐》這幅作品都有什麼藝術文化特色呢？

　　達·芬奇的《最後的晚餐》不僅標誌著達·芬奇藝術成就的最高峰，也標誌著文藝復興藝術創造的成熟與偉大。這件作品達到了素描表現的正確性和對事物觀察的精確性，使人能真切感受到面對現實世界的一角，在構圖處理上也取得了巨大成就，人物形象的組合構成了美麗的圖案，畫面有著一種輕鬆自然的平衡與和諧。更為重要的是，他創造性地使聖餐題材的創作向歷史源流的文化本義迴歸，從而賦予了作品以創造的活力和歷史的意義。

　　沃爾夫林在《古典藝術》中，用專門的章節對列奧納多的《最後的晚餐》作了精彩的分析。沃爾夫林認為，列奧納多在兩個方面打破了傳統。他取消了猶大獨處的位置，改變了約翰臥睡的姿態。沃爾夫林在《藝術風格學》的每一章節都引用這件作品來論證他提出的形式概念。他為還原了（或建構了）列奧納多創作之初所面臨的形式問題。

　　貢布里希則在《文藝復興》一書中對列奧納多進行了全面和深入的研究。貢布里希相信，列奧納多從“繪畫科學”的研究出發，將“聖餐”場面作為一幕展開的啞劇進行了“實況”的模擬，以便描繪出“某種震驚的訊息在一群人身上所產生的效果。”

　　貢布里希還原了聖經原典相關的傳統，並以作品當時可能存在的“環境功能”作了進一步的論證，說明列奧納多的意圖是用“有效真實”這種“畫家藉以打破晚餐神聖的寧靜而創造出激動氣氛的手段，”來改變在吉蘭達約等人創作的同一題材作品中存在的“呆板”。

　　列奧納多的《最後的晚餐》的最初創作構思起步於卡斯塔尼奧的作品。在列奧納多的草圖中，一字形排開的構圖，猶大獨自坐在長桌的另一邊，耶穌正把麵餅遞於猶大的面前，眾人的注意力都轉向了猶大。為了形成眾人對猶大的壓倒一切的氣勢，列奧納多在草圖中升高了視平線。

　　列奧納多在草圖中也學習了卡斯塔尼奧的做法，讓門徒約翰伏在桌上。而以前傳統的畫法是根據聖經原典的描述，讓約翰投於耶穌的懷中。草圖上的每一個人，幾乎都照搬了來自生活的素材，人物都具有劇烈的情態，動作幅度較大，卻少有相互的聯絡。

　　《日出·印象》，是法國印象派畫家莫奈於1872年在勒阿弗爾港口畫的一幅寫生畫。其誕生時間已經被確定到一個精確的時候，由此可見印象主義繪畫在世界美術史上的重要地位。下面，就讓我們一起到世界十大名畫中瞭解其作品賞析吧。

　　《日出·印象》描繪的是在晨霧籠罩中日出時港口景象。在由淡紫、微紅、藍灰和橙黃等色組成的色調中，一輪生機勃勃的紅日拖著海水中一縷橙黃色的波光，冉冉升起。海水、天空、景物在輕鬆的筆調中，交錯滲透，渾然一體。

　　近海中的三隻小船，在薄霧中漸漸變得模糊不清，遠處的建築、港口、吊車、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦朧隱現。這一切，是畫家從一個視窗看出去畫成的。如此大膽地用“零亂”的筆觸來展示霧氣交融的景象。這對於一貫正統的沙龍學院派藝術家來說乃是藝術的叛逆。

　　該畫完全是一種瞬間的視覺感受和活潑生動的作畫情緒使然，以往官方學院派藝術推崇的那種謹慎而明確的輪廓，呆板而僵化的色調蕩然無存。這種具有叛逆性的繪畫，引起了官方的反對。

　　這幅名畫是莫奈於1872年在阿弗爾港口畫的一幅寫生畫。他在同一地點還畫了一張《日落》，在送往首屆印象派畫展時，兩幅畫都沒有標題。一名新聞記者諷刺莫奈的畫是“對美與真實的否定，只能給人一種印象”。莫奈於是就給這幅畫起了個題目——《日出·印象》。

　　它作為一幅海景寫生畫，整個畫面籠罩在稀薄的灰色調中，筆觸畫得非常隨意、零亂，展示了一種霧氣交融的景象。日出時，海上霧氣迷朦，水中反射著天空和太陽的顏色。岸上景色隱隱約約，模模糊糊看不清，給人一種瞬間的感受。

　　他對光色的專注遠遠超越物體本身的形象，使得物體在畫布上的表現消失在光色之中。他讓世人重新體悟到光與自然的結構。所以這一視野的嬗變，以往甚至難以想象，它所散發出的光線、色彩、運動和充沛的活力，取代了以往繪畫中僵死的構圖和不敢有絲毫創新的傳統主義。

　　“如果你弄個《日出·印象》的黑白版本（如圖），會發現太陽基本消失了……沒錯，太陽本身沒有光，只是憑色彩的映襯，才製造出這樣的效果！”

　　當1874年莫奈和一群青年畫家舉辦展覽時，這幅《日出·印象》遭到了誹謗和奚落。

　　有的評論家挖苦說：“毛坯的糊牆紙也比這海景完整！”更有人按這幅畫的標題，諷喻以莫奈為首的青年藝術家們為“印象派”，於是“印象主義”也就成了這個畫派的桂冠。

　　該畫1985年被搶劫，據法國被盜藝術品偵緝處1990年12月6日，在科西嘉島一座別墅中查獲。