世界十大名畫之入睡的維納斯作品賞析

　　《入睡的維納斯》是世界十大名畫之一，是畫家喬爾喬內最成功的油畫作品。作品要展現是在自然風景前入睡的維納斯，軀體優美而溫柔，形體勻稱地舒展，起伏有致，與大自然互為呼應。下面，就讓我們一起了解其作品的賞析吧。

　　作品內容：

　　這幅名為《入睡的維納斯》的作品，主人公毫無疑問當然是維納斯，但很顯然，畫家並不是要塑造一個神的形象，而是借神的名義去塑造一個美麗而真實的女性，一個具有豐滿而柔潤的肌膚，流暢而優雅的線條，鬆弛而自然的姿態的世俗女性。這樣一種世俗之美，生活之美，又被放置到自然之美的情境中去，形成了優美和諧的統一，完成了藝術的昇華。

　　雖然是一種世俗的情趣，但又顯得十分高雅，人體與背景起伏多變的山丘、山巒、村落、民宅、樹冠、彩雲以及被褥褶皺的曲線、弧線、折線形成了和諧的呼應和反差的對比，畫面所有的一切巧妙地構成了優美、舒適、安逸、恬靜的視覺交響。

　　作者試圖把大自然作為體現人體自然美、和諧美的一個重要組成部分。沉寂日暮的自然狀態好象正是酣睡入夢的維納斯，不知是維納斯已溶入了自然的懷抱還是自然溶入了維納斯的夢裡……

　　作品賞析：

　　畫面幾乎是完美的，尤其女神的姿態，這種呈現出令人迷醉的風姿雅韻的斜倚人體形式也是首創性的。而把維納斯作為一個女性模特的做法，也影響了後世的許多畫家，如提香、普桑、委拉斯貴茲、戈雅、馬奈、畢加索……這些大名鼎鼎的畫家，紛紛效仿喬爾喬內這位前輩的創意。

　　斜倚著的維納斯，右手放在腦後，恰好構成一條包圍了軀體的曲線，使整個的造型有了一個圓潤而封閉的輪廓，與背景、與觀眾保持著可望而不可即的距離，彷彿是在孤芳自賞，也使人覺得“可遠觀而不可褻玩焉”。

　　她的身軀閃耀著肉體的光澤，文藝復興的人文主義取代了中世紀的禁慾精神。肯尼斯·克拉克對這幅畫的著名評論是：她的姿態是如此恬靜而又自然,以致我們不能一眼就看出這是戛戛獨創。

　　喬爾喬內的維納斯不是屬於古代世界的。在古代藝術中任何著名的作品主題都不是這種斜臥的女性裸體形象。……她缺乏猶如碩果累累的枝頭般的那種下垂韻律，而正如在這點上，古代世界在讚美著生命和尊嚴。

　　畫家所描繪的自然正是義大利典型的鄉村景色，畫家賦予它和平寧靜的境界，與沉入夢鄉的女神安逸明朗的神情十分和諧默契，情景交融，是人體美、世俗精神美與自然景色美的完美統一的藝術典範。

　　整個畫面被統一在淡金黃色調裡，落日餘暉映照著女神豐腴圓潤的身體，放射出瑪瑙般的光澤，顯得格外純潔、明亮，散發著青春和生命的活力。畫家在女神所處的環境色彩配置上，從上半部的較深紅色，轉入藍色、綠色和黃色，使幾種顏色交織在一起，既突出人體，又與周圍的色調相呼應。

　　喬爾喬內善於運用細膩柔和的筆觸和流暢的曲線造型，人組成與背景自然的直線形成柔中有剛的對比，圓潤的裸體與繁密褶紋又形成了單純與複雜的對比，畫家以崇高的精神境界與高超的藝術技巧，譜寫了一曲人與自然和諧的藝術交響曲。

　　《最後的晚餐》是義大利藝術家列奧納多·達·芬奇所創作，這幅畫標誌著達·芬奇藝術成就的最高峰，也標誌著文藝復興藝術創造的成熟與偉大。作為世界十大名畫之一，《最後的晚餐》這幅作品都有什麼藝術文化特色呢？

　　達·芬奇的《最後的晚餐》不僅標誌著達·芬奇藝術成就的最高峰，也標誌著文藝復興藝術創造的成熟與偉大。這件作品達到了素描表現的正確性和對事物觀察的精確性，使人能真切感受到面對現實世界的一角，在構圖處理上也取得了巨大成就，人物形象的組合構成了美麗的圖案，畫面有著一種輕鬆自然的平衡與和諧。更為重要的是，他創造性地使聖餐題材的創作向歷史源流的文化本義迴歸，從而賦予了作品以創造的活力和歷史的意義。

　　沃爾夫林在《古典藝術》中，用專門的章節對列奧納多的《最後的晚餐》作了精彩的分析。沃爾夫林認為，列奧納多在兩個方面打破了傳統。他取消了猶大獨處的位置，改變了約翰臥睡的姿態。沃爾夫林在《藝術風格學》的每一章節都引用這件作品來論證他提出的形式概念。他為還原了（或建構了）列奧納多創作之初所面臨的形式問題。

　　貢布里希則在《文藝復興》一書中對列奧納多進行了全面和深入的研究。貢布里希相信，列奧納多從“繪畫科學”的研究出發，將“聖餐”場面作為一幕展開的啞劇進行了“實況”的模擬，以便描繪出“某種震驚的訊息在一群人身上所產生的效果。”

　　貢布里希還原了聖經原典相關的傳統，並以作品當時可能存在的“環境功能”作了進一步的論證，說明列奧納多的意圖是用“有效真實”這種“畫家藉以打破晚餐神聖的寧靜而創造出激動氣氛的手段，”來改變在吉蘭達約等人創作的同一題材作品中存在的“呆板”。

　　列奧納多的《最後的晚餐》的最初創作構思起步於卡斯塔尼奧的作品。在列奧納多的草圖中，一字形排開的構圖，猶大獨自坐在長桌的另一邊，耶穌正把麵餅遞於猶大的面前，眾人的注意力都轉向了猶大。為了形成眾人對猶大的壓倒一切的氣勢，列奧納多在草圖中升高了視平線。

　　列奧納多在草圖中也學習了卡斯塔尼奧的做法，讓門徒約翰伏在桌上。而以前傳統的畫法是根據聖經原典的描述，讓約翰投於耶穌的懷中。草圖上的每一個人，幾乎都照搬了來自生活的素材，人物都具有劇烈的情態，動作幅度較大，卻少有相互的聯絡。

　　《日出·印象》，是法國印象派畫家莫奈於1872年在勒阿弗爾港口畫的一幅寫生畫。其誕生時間已經被確定到一個精確的時候，由此可見印象主義繪畫在世界美術史上的重要地位。下面，就讓我們一起到世界十大名畫中瞭解其作品賞析吧。

　　《日出·印象》描繪的是在晨霧籠罩中日出時港口景象。在由淡紫、微紅、藍灰和橙黃等色組成的色調中，一輪生機勃勃的紅日拖著海水中一縷橙黃色的波光，冉冉升起。海水、天空、景物在輕鬆的筆調中，交錯滲透，渾然一體。

　　近海中的三隻小船，在薄霧中漸漸變得模糊不清，遠處的建築、港口、吊車、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦朧隱現。這一切，是畫家從一個視窗看出去畫成的。如此大膽地用“零亂”的筆觸來展示霧氣交融的景象。這對於一貫正統的沙龍學院派藝術家來說乃是藝術的叛逆。

　　該畫完全是一種瞬間的視覺感受和活潑生動的作畫情緒使然，以往官方學院派藝術推崇的那種謹慎而明確的輪廓，呆板而僵化的色調蕩然無存。這種具有叛逆性的繪畫，引起了官方的反對。

　　這幅名畫是莫奈於1872年在阿弗爾港口畫的一幅寫生畫。他在同一地點還畫了一張《日落》，在送往首屆印象派畫展時，兩幅畫都沒有標題。一名新聞記者諷刺莫奈的畫是“對美與真實的否定，只能給人一種印象”。莫奈於是就給這幅畫起了個題目——《日出·印象》。

　　它作為一幅海景寫生畫，整個畫面籠罩在稀薄的灰色調中，筆觸畫得非常隨意、零亂，展示了一種霧氣交融的景象。日出時，海上霧氣迷朦，水中反射著天空和太陽的顏色。岸上景色隱隱約約，模模糊糊看不清，給人一種瞬間的感受。

　　他對光色的專注遠遠超越物體本身的形象，使得物體在畫布上的表現消失在光色之中。他讓世人重新體悟到光與自然的結構。所以這一視野的嬗變，以往甚至難以想象，它所散發出的光線、色彩、運動和充沛的活力，取代了以往繪畫中僵死的構圖和不敢有絲毫創新的傳統主義。

　　“如果你弄個《日出·印象》的黑白版本（如圖），會發現太陽基本消失了……沒錯，太陽本身沒有光，只是憑色彩的映襯，才製造出這樣的效果！”

　　當1874年莫奈和一群青年畫家舉辦展覽時，這幅《日出·印象》遭到了誹謗和奚落。

　　有的評論家挖苦說：“毛坯的糊牆紙也比這海景完整！”更有人按這幅畫的標題，諷喻以莫奈為首的青年藝術家們為“印象派”，於是“印象主義”也就成了這個畫派的桂冠。

　　該畫1985年被搶劫，據法國被盜藝術品偵緝處1990年12月6日，在科西嘉島一座別墅中查獲。