世界十大名畫之一：泉的創作

　　《泉》，世界十大名畫之一，是著名畫家安格爾的得意之作。他在這幅畫上展示了可以得到人類普遍讚美的美的恬靜、抒情和純潔性。那麼，關於這幅名畫的創作又是怎麼樣的呢？接下來，就跟小編一起去了解一下吧。

　　安格爾一生中在裸體素描上下過精深的功夫，而且只有當他面對裸體模特兒時，他的現實主義真知灼見才特殊地顯現出來。

　　他曾說：“標準的美——這是對美的模特兒不間斷觀察的產物”，還認為：“一幅畫的表現力取決於作者的豐富的素描知識；撇開絕對的準確性，就不可能有生動的表現。掌握大概的準確，就等於失去準確。那樣，無異於在創造一種本來他們就毫無感受的虛構人物和虛偽的感情。”

　　這位古典主義繪畫的末代風流畫家，吸收文藝復興時期前輩大師的求實的技巧，使自己的素描技巧發揮到爐火純青的境地。這裡所不同的只是像馬薩卓、米開朗基羅、喬爾喬奈等大師的裸女體現的是一種充滿人性的時代理想，而安格爾在裸女上所寄予的理想，則是“永恆的美”這一抽象概念。

　　究其實，乃在於尋求以線條、形體、色調相諧和的女性美的表現力。這在他那些描寫土耳其宮女的裸女畫上尤為明顯。晚年，安格爾畫了這一幅《泉》，則進一步反映了畫家對美的一種全新觀念，那就是他深深覺得用精細的造型手段創造一種抽象的古典美典範的必要性。

　　76歲高齡的安格爾，終於在這一幅《泉》上，把他心中長期積聚的抽象出來的古典美與具體的寫實少女的美，找到了完美結合的形式。

　　他在這幅畫上展示了可以得到人類普遍讚美的美的恬靜、抒情和純潔性。有一位評論家參觀了《泉》後說：“這位少女是畫家衰年藝術的產兒，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她們各自的美於一身，形象更富生氣也更理想化了。”

　　《泉》大概在義大利佛羅倫薩時就開始醞釀了，那是在1820年的事，為什麼事隔36年後才最終完成此稿呢？這還得從他的學生保羅·巴爾澤和亞歷山大·德戈弗兩人說起。

　　最初在安格爾心中構思的“泉”，是仿效義大利大師們在畫維納斯時的願望，他早在1807年就畫過一些草圖，後來不滿足前人已畫過的“維納斯”樣式，企圖使形象更單純化。

　　有人認為這幅畫最初是由上述兩個學生協助完成的。安格爾經常在同一主題或構思中進行復制，有時花上幾年甚至幾十年工夫。

　　1857年，《泉》被迪麥泰爾伯爵收購，成為私人藏畫品。後根據這位伯爵的遺囑，他的家屬於1878年將此畫贈給國家，終於成為巴黎奧賽博物館內又一鎮館之寶。

　　《無名女郎》，世界十大名畫之一，是俄國畫家伊萬·尼古拉耶維奇·克拉姆斯柯依於1883年創作的一幅現實主義肖像畫，現收藏於莫斯科的特列恰科夫美術博物館。下面，就讓我們一起去了解關於這幅名畫的美學價值吧。

　　我們面前的這位典型的19世紀俄國知識女性，她側身端坐，轉首俯視著這個冷酷無情的世界，顯得高傲而又自尊。這種姿勢語言表明畫中人物與這個世道格格不入，冷眼審視，不屑一顧，又不願與之合流的神情，這隱含著當時一部分民主主義知識分子對社會的態度。

　　這幅女子肖像顯示的美在於性格表現，也體現畫家的美學觀。我們面前這位女子沒有華麗服飾和貴夫人的打扮，而是入時得體，是上流社會有文化、有修養、品位極高的知識女性打扮。

　　色調濃重且有變化，冷漠、深沉、俊秀的面孔鮮明突出，格外莊重、典雅而高尚。

　　美學價值：

　　頗具美學價值的性格肖像畫

　　這是一幅頗具美學價值的性格肖像畫，畫家以精湛的技藝表現出物件的精神氣質。畫中的無名女郎高傲而又自尊，她穿戴著俄國上流社會豪華的服飾，坐在華貴的敞蓬馬車上，背景是聖彼得堡著名的亞歷山大劇院。

　　究竟“無名女郎”是誰？至今仍是個謎。

　　畫家在肖像畫上創造了一種新的表現風格，即用主題性的情節來描繪肖像，展示出一個剛毅、果斷、滿懷思緒、散發著青春活力的俄國知識女性形象。

　　這幅肖像畫並不是一個具體人物的肖像，而是畫家的理想創造。

　　她坐在華貴的敞篷車上，高傲地望著觀眾，她那不凡的氣派和自尊，給人以剛毅、果斷、滿懷思緒，散發著青春活力的深刻印象。畫面以冬天的城市為背景，白雪覆蓋著屋頂，朦朧溼潤的天空，使人感到寒意。

　　女郎的毛皮手籠、鐲子、帽子上的白色羽毛、藍紫色的領結，都表現得極為精到。而最令人驚歎的是人物的精神氣質，實在被描繪得精湛絕倫。它確實無愧為一幅傑出的性格肖像畫名作。

　　這個美麗女郎的畫像。有人說是托爾斯泰小說中的安娜·卡捷琳娜，也有人說是莫斯科大劇院裡的某個女演員。但不管她是誰，其精神氣質確實很能打動觀眾。

　　《最後的晚餐》是義大利藝術家列奧納多·達·芬奇所創作，這幅畫標誌著達·芬奇藝術成就的最高峰，也標誌著文藝復興藝術創造的成熟與偉大。作為世界十大名畫之一，《最後的晚餐》這幅作品都有什麼藝術文化特色呢？

　　達·芬奇的《最後的晚餐》不僅標誌著達·芬奇藝術成就的最高峰，也標誌著文藝復興藝術創造的成熟與偉大。這件作品達到了素描表現的正確性和對事物觀察的精確性，使人能真切感受到面對現實世界的一角，在構圖處理上也取得了巨大成就，人物形象的組合構成了美麗的圖案，畫面有著一種輕鬆自然的平衡與和諧。更為重要的是，他創造性地使聖餐題材的創作向歷史源流的文化本義迴歸，從而賦予了作品以創造的活力和歷史的意義。

　　沃爾夫林在《古典藝術》中，用專門的章節對列奧納多的《最後的晚餐》作了精彩的分析。沃爾夫林認為，列奧納多在兩個方面打破了傳統。他取消了猶大獨處的位置，改變了約翰臥睡的姿態。沃爾夫林在《藝術風格學》的每一章節都引用這件作品來論證他提出的形式概念。他為還原了（或建構了）列奧納多創作之初所面臨的形式問題。

　　貢布里希則在《文藝復興》一書中對列奧納多進行了全面和深入的研究。貢布里希相信，列奧納多從“繪畫科學”的研究出發，將“聖餐”場面作為一幕展開的啞劇進行了“實況”的模擬，以便描繪出“某種震驚的訊息在一群人身上所產生的效果。”

　　貢布里希還原了聖經原典相關的傳統，並以作品當時可能存在的“環境功能”作了進一步的論證，說明列奧納多的意圖是用“有效真實”這種“畫家藉以打破晚餐神聖的寧靜而創造出激動氣氛的手段，”來改變在吉蘭達約等人創作的同一題材作品中存在的“呆板”。

　　列奧納多的《最後的晚餐》的最初創作構思起步於卡斯塔尼奧的作品。在列奧納多的草圖中，一字形排開的構圖，猶大獨自坐在長桌的另一邊，耶穌正把麵餅遞於猶大的面前，眾人的注意力都轉向了猶大。為了形成眾人對猶大的壓倒一切的氣勢，列奧納多在草圖中升高了視平線。

　　列奧納多在草圖中也學習了卡斯塔尼奧的做法，讓門徒約翰伏在桌上。而以前傳統的畫法是根據聖經原典的描述，讓約翰投於耶穌的懷中。草圖上的每一個人，幾乎都照搬了來自生活的素材，人物都具有劇烈的情態，動作幅度較大，卻少有相互的聯絡。